La vida regida por el ridículo :: Todo se puede en Mexico…

La vida regida por el ridículo

León de Oro para Carlos Armella

September 5th, 2008

Estos son los encargados de conformar el presente y el futuro del cine mexicano

Sigamos su pista

PF

Carlos Armella gana León de Oro con Tierra y pan
 

Reuters
 

Venecia, México, 4 de septiembre. Todavía no sabe si es un sueño. A las cinco de la mañana sonó el teléfono y le comunicaron al director mexicano Carlos Armella que había ganado el León de Oro por su corto Tierra y pan.
 

“Estoy tratando de hacerme a la idea”, dijo Armella en conversación telefónica con Dpa tras conocer la noticia de que sus ocho minutos de película sin diálogo habían sido escogidos como ganadores de la sección Corto Cortissimo del Festival Internacional de Cine de Venecia.
 

“En pocos minutos y en un único lugar, el autor consigue contar una historia dramática sobre miseria y soledad, explotando al máximo el potencial narrativo de las imágenes cinematográficas”, argumentó el jurado.
 

Protagonizado por Patricia Meneses, Alberto Trujillo, Adolfo Ceballos y una perra, Tierra y pan es un “reflejo de lo que es la miseria y la pobreza en México”, dijo Armella, quien acaba de regresar de Venecia.
 

“La idea surgió del llanto de un perro”, contó el realizador, que ya fue distinguido por su documental Toro negro en la sección Horizontes del Festival de San Sebastián.
Su intención, según explicó, era que los espectadores fueran testigos, que entendieran que está pasando una tragedia sin llegar a ver nada.
 

Armella, quien prepara ahora su salto a la ficción, viajará en octubre a España con una beca de Casa de América para desarrollar el proyecto, centrándose en la preproducción de lo que será su primer largometraje no documental.
 

La sección Corto Cortissimo, en la que participaron un total de 18 trabajos, fue inaugurada por Eve, el debut en la dirección de la actriz Natalie Portman, protagonizado por Lauren Bacall y Ben Gazzara.
 

El León de Oro fue recogido por el director mexicano Eugenio Polgovsky (Herederos), quien dijo que Armella se siente muy feliz y dedica al premio a toda la gente que trabajó en la película.
 

El jurado, que presidió el director y guionista Amos Poe, dio una mención especial al corto húngaro Vascora, de Karchi Perlmann, y el premio UIP al mejor corto europeo para el belga De Onbaatzunchtigen, Koen Dejaegher
 

Voy a explotar

September 5th, 2008

La película se presenta en la Mostra y participará en los festivales de Nueva York y Torono 

En Voy a explotar hablo sobre qué es la rebeldía en la actualidad: Gerardo Naranjo 

Tania Molina Ramírez 

La cinta Voy a explotar fue invitada a formar parte de la programación de los festivales de Nueva York (en su versión 46, que se realizará del 26 de septiembre al 12 de octubre) y de Toronto (del 4 al 13 de septiembre). Además, hoy se presenta en el 65 Festival de Venecia, fuera de competencia. 

Antes de comenzar su gira, el director y guionista Gerardo Naranjo habló vía telefónica sobre la cinta y su tema eje: la rebeldía. 

El interés de Naranjo es “hablar sobre qué es la rebeldía en la actualidad, cuál es la percepción de ser rebelde hoy”, en el contexto de que hay hasta un grupo pop llamado Rebelde que lo último que simboliza es lo que lleva en el nombre, en el que “los símbolos de la contracultura o de la rebeldía, como los tatuajes, los trae Kalimba (de OV7) o Britney Spears, ya fueron asimiladas en nuestra cultura y de manera muy ‘sana’, ya no hay nada que distinga a los que están en contra y los que están en favor”. 

La cinta está ubicada en Guanajuato y trata sobre dos adolescentes, Román y Maru (Juan Pablo de Santiago y María Deschamps), que escapan de sus casas: “Responden a un impulso de no sentir que conectan con su realidad, de estar insatisfechos. Cuando vivía en provincia me parecía que la vida estaba parada, no había ninguna alternativa de pensar diferente. No era que no hubiera libertad de expresión, era simplemente que todo mundo pensaba igual. 

“Para mí eso es Voy a explotar: luchar contra la inercia de la monotonía total, de un ritmo social en el que no hay alternativas para nadie. El discurso principal de la película es que no hay ningún enemigo de los jóvenes. No se rebelan ante la injusticia, sino ante el hecho de que no tienen nada por lo cual pelear. Crean un enemigo, porque no hay nadie que esté en su contra, pero tampoco hay alguien que los provoque en favor. Hay tanta inmovilidad que deciden crear un enemigo. La única manera en que lo pueden lograr es escapándose y convirtiéndose en outlaws, forajidos a la fuerza”. 

La cinta se mueve en dos ámbitos: “Los chicos tratando de encontrar un significado a su escape, intentando dar la cara al enemigo, y, la otra, de los adultos, de esta sociedad conservadora”, en la cual “el papá, que es político, está preocupado, sobre todo, por la percepción social de que su hijo ande con una pistola y disparando a lo loco” y “la mamá de ella está más preocupada de que ande con un chaval sexualmente activo, y quiere que parezca que fue un rapto”, no que huyeron. 

Castigo 

Por su parte, “los chicos asumen la libertad con la responsabilidad que implica ir en contra, y esta responsabilidad resulta en la muerte. Hay consecuencias. La línea fuerte a la que se rebelan normalmente castiga”. 

La pareja protagonista es personificada por dos estudiantes de secundaria de la ciudad de México, quienes jamás habían actuado. Los otros papeles importantes son interpretados por Daniel Giménez Cacho, Rebeca Jones y Martha Claudia Moreno. 

Naranjo lleva siete años con este proyecto en mente. Mientras, realizó su primer largometraje, Drama/mex, que estuvo en la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes en 2006. 

La realización de Voy a explotar tardó más, porque “era más compleja técnicamente, necesitaba equipo, y encontrar a los chavales”, principalmente, para ello recorrieron diversos lugares de la República Mexicana. 

Naranjo trabajó básicamente con el mismo equipo técnico de Drama/mex, “con herramientas un poco mejores”. 

La cinta es una coproducción de Canana Films, Cinematográfica Revolcadero, Verisimilitude (Estados Unidos) y Fidecine, en asociación con Wild Bunch (Francia). 

recomendaciones cinematográficas

April 22nd, 2008

Gracias a  la celebración de los 101 años de su natalicio, La vida regida por el ridículo hace un humilde, pero muy sincero homenaje  a Don Gabriel Figueroa Mateos.

El ojo mágico
 

Poco puedo decir de Gabriel Figueroa que no sepamos todos,  sólo expresar mi más profunda admiración porque él supo compartir con nosotros su punto de vista, sus sueños,  su ojo mágico, ahora imprescindible en la iconografía cinematográfica de México y del mundo entero.

Además, por primera vez, el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, rinde homenaje a la obra de un cinefotógrafo, precisamente, Gabriel Figueroa (Ciudad de México 24 de abril de 1907, 27 de abril de 1997) Organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en colaboración con la Fundación Televisa, American Express, Samsung y el Instituto Mexicano de Cinematografía, la exhibición permanecerá abierta hasta el próximo 4 de mayo.

Expertos y curadores han afirmado que los materiales que se exhiben muestran por sí mismos los intercambios y colaboraciones que vincularon al cinematógrafo con otros creadores y otras miradas, como los directores Luis Buñuel, Sergei Eisenstein, Emilio El Indio Fernández, Roberto Gavaldón y John Huston, los pintores José Clemente Orozco y Diego Rivera, el grabador Leopoldo Méndez, los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo y Luis Márquez, y los escritores Mauricio Magdaleno, Juan Rulfo y B. Traven.

El debut de Figueroa como cine-fotógrafo fue en Allá en el Rancho Grande (1936), de Fernando de Fuentes, película que fundó el género de la comedia ranchera. En la década de los años 40 y 50 rodó varias de las cintas de la llamada época de oro del cine  Mexicano.

Gabriel Figueroa, El maestro de la luz y de la sombra, como llegó a conocérsele,  hizo una magnifica mancuerna con Emilio El Indio Fernández. Al igual que valiosísimas colaboraciones con Luis Buñuel.

Se dice que a Gabriel Figueroa y a Emilio Fernández los separó el color. Cuando Figueroa empezó a hacer cine en color y El Indio no quería entrar a esa revolución del technicolor fue entonces cuando dejaron de trabajar juntos.

El fotógrafo que siguió trabajando con El Indio Fernández fue Alex Phillips, (después haremos algunas precisiones más profundas sobre el magnifico trabajo de este otro gran fotógrafo) pero se dice que siempre reconoció que Figueroa era su adoración. Eran muy amigos. Los separó también el hecho de que Gabriel era decente y él no, según palabras del  mismo Indio Fernández.

Sus primeros trabajos fueron como fotógrafo en películas “Revolución” de Miguel Contreras Torres. Además de trabajar con directores mexicanos, Gabriel Figueroa trabajó también para Hollywood, colaborando con directores de la talla de John Ford y John Houston.

En 1950 realiza la fotografía de “Los olvidados, de Luis Buñuel.
 

Fue candidato al Premio Oscar a la mejor fotografía por “La noche de la iguana” (1964).
 

A continuación el link oficial de Gabriel Figueroa donde los interesados podrán revisar con mayor detalle  datos biográficos, filmografía, galerías de fotos etc.

Vale la pena:

http://www.gabrielfigueroa.com/
 

Pinguino Frog
 

recomendaciones cinematográficas

April 9th, 2008

 

Comparto con ustedes este reportaje de Ernesto Márquez del periódico la Jornada México D.F. sobre el nuevo cine que se está haciendo en Africa, este continente que parece que empieza a empujar con propuestas bastante interesantes.

 

pf

 

 

Tumbando Caña

Ernesto Márquez
marquezernesto@yahoo.com

■ Conocer África a través de su cine

Poca gente en realidad conoce la riqueza y variedad del cine africano que, aunque incipiente, es uno de los desarrollos más originales y llamativos de la industria fílmica mundial, ya por las condiciones en que se hace o por sus valores intrínsecos.

El cine en África, más que una labor artística con propósitos de entretenimiento, es asumido por sus realizadores como ejercicio fundamental para contar la realidad de su gente, su lucha, sus sueños, sus esperanzas, en fin, la búsqueda de su identidad.

A partir de esa idea se debe apreciar lo que surge de África en materia fílmica.

África ha sido siempre un continente del gesto, de la palabra, de la imagen y del sonido. Por lo que se infiere que el arte fílmico conlleve características diferenciadas respecto al de otros desarrollos. Puede ser un cine pobre, en términos económicos, pero inmensamente rico en contenidos.

Su temática aborda tópicos tan diversos que van de las tradiciones ancestrales, que se conservan en la mayoría de esos países, y el choque con la modernidad, al papel de la mujer en sociedades patriarcales, la emigración a metrópolis occidentales, las diferencias y conflictos generacionales, la sexualidad, la resistencias y autoafirmación de los jóvenes, hasta argumentos de ficción basados en narraciones orales o novelas de escritores africanos

En general puede observarse en el cine africano un interés en sus autores por enseñar, por educar la conciencia del público. Gracias a esa actitud, a esa filosofía, han logrado imponer una manera de hacer filmes que subvierte las formas del cine de género, con lo que han logrado historias creíbles, con poesía en sus imágenes y actuaciones (con actores que no lo son, o por lo menos no en el sentido profesional) grandiosas por su naturalidad y frescura.

Debido a eso los lerdos en la materia afirman que el cine africano está demasiado lejos de los estándares convencionales, por lo cual no tiene futuro.

Lo cierto es que, a diferencia del cine occidental, el africano no se inclina por fórmulas preconcebidas para satisfacer un mercado, sino que su interés primordial radica en la búsqueda y exposición del espíritu africano, mismo que se desprende de valores y situaciones que le es indispensable contar.

Al menos así lo hizo saber en una entrevista el connotado cineasta burkinabés Idrissa Ouedraogo: “Muchos de los profesionales del cine africano estamos comprometidos con la búsqueda de la identidad africana, ya sea en género de ficción o en documentales (…) El cine africano no hay que tratarlo como un entretenimiento folclorista o un compendio de paisajes exóticos, sino como un documento de nuestra realidad, de nuestros sueños y nuestras pesadillas”.

Y reiteraba: “Para mucha gente, África es la guerra, la pobreza, el hambre… Claro, es lo que principalmente difunden los medios de comunicación (…) Por eso es importante que vean nuestro cine, que conozcan lo que hacemos. Es el único modo de mostrar lo que verdaderamente pasa en nuestros países, en nuestras comunidades, en nuestras aldeas. Para nosotros el cine es luz, alegría, fiesta, vida…. pero es también nuestra conciencia, y nuestro mensajero. Eso que no se olvide”.

De todas formas no se deja de observar la tupida maleza de perjuicios que cubre al cine africano. Males endémicos como los de distribución, difusión, falta de salas de proyección, inclusive en el propio continente, que no lo dejan crecer. Problemas de años, como los políticos, que impiden el apoyo de los gobiernos y propician la búsqueda de financiamiento en países de Europa, que lo brindan a cuentagotas.

Pero los cineastas africanos, fieles a la idea de que “el cine debe ser una herramienta educativa de primera magnitud”, han decidido no permitirse ningún tipo de debilidades y mucho menos caer en lamentaciones estériles. Saben que la cosa no se resuelve gritando ¡help me!, sino con decisión y sobre la marcha.

Así es como está surgiendo una industria cinematográfica africana. Una que, pese a todas sus limitaciones, genera películas como las que ahora se exhiben en Africala, el festival de cine africano en América Latina, que concluye el 23 de abril. Para mayor información consulte la página  

www.africala.org

 

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April 3rd, 2008

El director de las dos cabezas
 

En esta ocasión La vida regida por el ridículo hace un humilde reconocimiento a dos directores-escritores que han sabido muy bien conjugar sus talentos.

Que han inventado un lenguaje cinematográfico muy original, donde el sarcasmo, la ironía,  las contradicciones de la vida cotidiana, toman una relevancia  esencial.

Los hermanos Joel ( Estados Unidos, 1954) e Ethan (Estados Unidos, 1957) Cohen han hecho una carrera de poco en poco, sin muchas prisas, pero en un constante ascenso que los coloca hoy en día como el dueto de directores-escritores más reconocidos y exitosos de todo el mundo cinematográfico.

Aquí cabría hacer la precisión que, aunque ambos escriben y ambos dirigen, la responsabilidad de escribir o adaptar  recae más en Ethan y Joel es el que se encarga más de los detalles de la producción, la fotografía, las locaciones.

La interpretación de los actores tal vez sea lo que más comparten cuando hacen sus películas,  a ambos les gusta dirigir las actuaciones,  y casi siempre se complementan sus puntos de vista

No en vano son conocidos desde hace un tiempo como “el director de las dos cabezas”.

Me encantan sus guiones, la manera que tienen de contar historias, de irlas armando en un andamio de sorpresas y que siempre nos van llevando con un ritmo constante que hipnotiza.

Su estética fotográfica siempre es impactante, constante en todas sus películas, pero en mi opinión llega a su total madurez en esta su última entrega No country for old man que, para mi, es una de sus más brillantes.

Mención aparte tenemos que hacer del magnífico papel hecho por  Javier Bardem en esta cinta, qué transformación tan impactante, unos de los villanos más fascinantes que haya podido ver desde el maravilloso Dennis Hopper interpretando a Frank Booth en Blue Velvet de David Lynch.

Por esta razón Javier Bardem ganó el Oscar al mejor actor de reparto.

Los hermanos Joel e  Ethan Cohen han obtenido numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera entre los que podríamos destacar:

Joel Cohen ganó el premio como mejor director y la Palma de Oro del festival de Cannes en el año  de 1991 por Barton Fink.

En 1996 ganó el premio como mejor director y fue nominado a la Palma de Oro del Festival de Cannes por Fargo

De nueva cuenta ganó el premio como mejor director en Cannes por The Man Who Wasn’t There (2001), teniendo que compartir el premio con David Lynch por Mulholland Drive.

Y como todos sabemos,  en la más  reciente ceremonia de los Premios Oscar Joel ganó el premio para el mejor guión adaptado, compartiendo el premio con Ethan, al igual que la estatuilla para el  mejor director y mejor la película.
 

Recomendamos tres películas realizadas en momentos distintos de su carrera que estoy seguro no van a decepcionar:

 

Barton Fink (1991)
 

The Big Lebowski (1998)
 

 

No Country for Old Men (2007)
 

Aunque la mejor opinión siempre será la de ustedes, que las disfruten

pf
 

recomendaciones cinematográficas

March 26th, 2008

 

Como habíamos anticipado en este espacio de recomendación y crítica cinematográfica dos de los directores que hemos estado siguiendo y reseñando su trabajo con gran interés como son Carlos Reygadas y Ernesto Contreras lograron premios en la 50 entrega de los premios Ariel que reconoce a lo más destacado del cine mexicano.

Ambos cineastas han demostrado un  compromiso hacia la creación de un cine de arte original y de gran factura.

A continuación comparto con ustedes esta reseña de Juan José Olivares del periódico la Jornada México D.F. miércoles 26 de marzo del año 2008 sobre la entrega de los Premios Ariel.

Pingüino frog

La película Luz silenciosa, de Carlos Rengadas, se llevó cinco premios Ariel
 

Juan José Olivares
 

 “¿Qué haremos ante la competencia de las exhibidoras y distribuidoras extranjeras? ¿Qué haremos para que nuestras películas duren más de una o dos semanas en cartelera?”, preguntó Jorge Zárate luego de recibir el Ariel como mejor actor por la película Dos abrazos.
 

El histrión formuló esas preguntas durante la 50 entrega de esos premios –que otorga la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas–, que se llevó a cabo anoche en un abarrotado Palacio de Bellas Artes, tanto en el interior como en los alrededores. Ello debido a la gran afluencia de personas provenientes del mitin de Andrés Manuel López Obrador en el Zócalo, las cuales aprovecharon los reflectores y las cámaras fotográficas y de televisión para gritar consignas como “es un honor estar con Obrador” y “despacio, sin prisa, Televisa te idiotiza”.
 

En cuanto a los galardones, la gran triunfadora de la velada (conducida por Andrés Bustamante y amenizada por el chelista Carlos Prieto, Lila Downs, Ely Guerra, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio) fue Luz silenciosa, mejor película, que se llevó cinco reconocimientos, entre éstos mejor director (Carlos Reygadas), mejor guión original (Carlos Reygadas), coactuación femenina (María Pankratz) y mejor fotografía (Alexis Zabé).
 

Cabe recordar que ese largometraje fue exhibido en la selección oficial del pasado festival de Cannes. Asimismo, ha hecho un importante recorrido por diversos festivales en el mundo, en los cuales se ha llevado varios reconocimientos.
 

Otra película que obtuvo cinco galardones fue Kilómetro 31, que ganó los premios en las categorías de mejores efectos visuales, mejores efectos especiales, mejor maquillaje, mejor vestuario y mejor sonido.
 

Sobresalen los premios al experimentado Paul Leduc, quien se llevó el galardón a mejor guión adaptado por su cinta Cobrador, in god we trust. Leduc alabó la “diversidad” que la academia presentó, pues en las categorías mayores, que son mejor película y mejor director, compitieron “tres proyectos muy diversos”: su película, la de Reygadas y Los ladrones viejos, de Everardo González, quien obtuvo los premios a mejor documental y mejor edición (Juan Manuel Figueroa). El director de esta cinta dedicó los reconocimientos a todos los ladrones y a los ex presidentes Luis Echeverría y José López Portillo.
 

En la ceremonia se entregó el Ariel de Oro a Silvia Pinal, por sus más de 50 años de trayectoria. La actriz aseguró: “la televisión hace trabajos notables, pero no trascienden. El cine es lo que queda, para bien o para mal. Esto es la corona de mi carrera”.
 

De igual manera, se entregó un Ariel honorario al periodista y guionista Fernando Morales Ortiz, y 13 de oro más a trabajadores que están detrás de cámaras, que tienen más de cinco décadas en la industria nacional. Ellos son: Adolfo Ramírez, Bertha Chiu, Carlos Horcasitas –quien falleció la semana pasada–, Enrique Lechuga, Enrique Morales, Fernando Ramírez, Francisco López, Heriberto Gutiérrez, Laurencio Cordero, Jesús Durán, Marcelino Pacheco, Salvador Serrano y Juvenal Herrera.
 

Los galardonados comentaron: “estuvimos en la época de oro del cine nacional, y ahora en la renovación del mismo. Gracias a nuestras familias, que soportaron ausencias y carencias. Esperamos que las nuevas generaciones no dejen morir nuestro cine”.
También se entregó la medalla Salvador Toscano al guionista y periodista Vicente Leñero.

Otros premiados fueron Irene Azuela, mejor actriz, por la película Quemar las naves; Mario Zaragoza, en el rubro coactuación masculina, por La zona; Alejandro Giacomán y Joselo Rangel, mejor música original, por Quemar las naves; José Luis Aguilar y Lorenza Manrique, mejor diseño de arte, por Morirse en domingo. La mejor película iberoamericana fue la argentina XXY; mejor ópera prima, Párpados azules, de Ernesto Contreras; mejor largometraje de animación, La leyenda de la Nahuala; mejor corto de ficción, Fin de trayecto, de Acán Cohen; mejor corto documental, De motu cordis, de Mariana Ochoa, y mejor corto de animación, De la vista nace el amor, de Miguel Anaya.
 

Algunos personajes que entregaron reconocimientos fueron Carlos Monsiváis, Daniel Giménez Cacho y Laura Esquivel.
 

 

recomendaciones cinematográficas

February 8th, 2008

Guillermo Navarro, artesano de la imagen.
 

 

 

En esta ocasión  La vida regida por el ridículo rinde un humilde reconocimiento a uno de los cinematógrafos mexicanos con más éxito y renombre en los últimos 25 años, Guillermo Navarro (México D.F. 1955).
 

 

Con un trabajo variado en cuanto a la temática de las cintas pero respetando un estilo, un sello que lo hace un fotógrafo de inagotable imaginación; lleno de recursos que hacen que las películas en las que ha participado contengan toda una gama de texturas, de colores dramáticos, muchas veces fríos, de matices húmedos, oscuros.
 

 

Sin saberlo, empecé a seguir su trabajo desde el año de 1987 cuando vi la película de “Amor a la vuelta de la esquina” de Alberto Cortés que había ganado el premio a la mejor película en un festival de cine independiente de la ciudad de México y que después se despachó con dos Arieles para la mejor actriz y la mejor opera prima (símil del Oscar pero de México).
 

 

Después volví a ver una participación suya en la cinta  “intimidades de un cuarto de baño” de este gran director de culto que es Jaime Humberto Hermosillo.
 

 

Y así seguí, sin saber que, de alguna manera, estaba rastreando su trabajo cuando tuve la oportunidad de ver “Morir en el golfo” de Alejandro Pelayo y “Cabeza de Vaca” de Nicolás Echevarria en la muestra de cine mexicano de Guadalajara que desde hace algunos años se llama Festival de cine de Guadalajara.
 

 

Hasta que llegó, también a la muestra de Guadalajara, Cronos. En ese momento me percaté, de bien a bien, quién era este tipo responsable de la estética visual tan peculiar reflejada en esas cintas que ya había observado con curiosidad y atención pero fue Cronos la que me hizo admirar su estilo tan peculiar, su manera tan distinta de proyectar, de encuadrar, de planear las tomas, de escoger las imágenes,  pero, sobre todo, las texturas, su “barroquismo” para mi nunca visto hasta ese momento en una película mexicana, producida cuando el cine independiente lo era de verdad y filmar en México era un caso de heroísmo casi suicida.
 

 

El trabajo de Guillermo Navarro en Cronos fue lo que lo proyectó,  hacia el mercado de “las grandes ligas” para así poder participar con directores de la talla de Robert Rodríguez, Quentin Tarantino, y, claro, seguir con extraordinarias colaboraciones con  Guillermo del Toro, ahí esta “El Laberinto del Fauno” con la que obtuvo el Oscar a la mejor fotografía en el 2007.

 

A continuación  algunas de las películas en las que ha tomado parte como fotógrafo o director de fotografía:
 

Amor a la vuelta de la esquina (1985)

Intimidades de un cuarto de baño (1989)

Morir en el golfo (1990)
Cabeza de Vaca (1991)

 

            Cronos (1993)
 

Desperado (1995)
Four Rooms (1995) (segment “The Misbehavers”)
From Dusk Till Dawn (1996)
Dream for an Insomniac (1996)
The Long Kiss Goodnight (1996)
Spawn (1997)
 

            Jackie Brown (1997)
 

Stuart Little (1999)
Spy Kids (2001)
 

            Espinazo del diablo, El (2001)

Silencio roto (2001)
Imagining Argentina (2003))
Hellboy (2004)
Toothpaste (2004)
           

            Zathura: A Space Adventure (2005)
 

            Laberinto del fauno, El (2006)

Night at the Museum (2006)
Blood Brothers (2007)
 

 

En la vida regida por el ridículo continuaremos siguiéndole la pista a este gran artesano de la imagen, Guillermo Navarro.
 

Ojalá disfruten su propuesta estética igual que yo.
 

Aunque la mejor opinión siempre será la de ustedes.
 

pf
 

 

 

 

 

 

recomendaciones cinematográficas

January 21st, 2008

Para esta semana voy a recomendar una película que rompe con los cánones estéticos a los cuales estamos acostumbrados en el cine actual, ya que se trata de una cinta sobre la comprensión, de cómo se pueden llegar a establecer los canales necesarios para tratar de armar “un puente” que nos permita entendernos con el otro. Se trata de la película:

Poolse bruid, De (1998)   “The Polish Bride”
 

Esta cinta del director argelino radicado en Holanda Karim Traïdia es muy atractiva, interesante en el desarrollo de la trama, algunos opinarán que es una película lenta, aletargada, aunque, en el caso de la novia polaca, está plenamente justificado al tratarse de una filme que intenta reflejar la vida del campo en alguna parte de Holanda.

Lo peculiar de esta entrega y aquí la motivación para recomendarla es que es una película casi completamente exenta de diálogos. Sí, es una película que está sostenida  a base de gestos, de posturas, idioma corporal ya que dentro de la trama se establece una relación entre un granjero holandés y una chica de Europa del este  (Polonia) que tiene que emigrar por motivos de trabajo y ahí el principal hilo conductor: el esfuerzo que hacen el uno con el otro para llegar a entenderse.

La propuesta, aunque ciertamente no es original, es bastante interesante. La fotografía es excelente, el manejo de la cámara, los planos, los paneos pausados, el manejo de la luz, es para destacarse. Las actuaciones de los protagonistas bastante elocuentes.

En sí, una película sencilla, sin pretensiones, pero muy bien llevada, con elementos sobresalientes, ya que logra crear un universo propio entre la pareja que se encuentra aislada en el campo, casi como si estuvieran en una isla desierta y muestra muy atinadamente que, pese a los obstáculos de lenguaje, cuando existe una mutua conexión emocional que puede llegar a ser profunda, las barreras pueden ser evitadas.

Es pues, un trabajo muy recomendable que seguramente no va a decepcionar.

Aunque, como siempre la mejor opinión es la de ustedes, que la disfruten.

pf

recomendaciones cinematográficas

January 15th, 2008

En esta oportunidad voy a proponer una película que es una obra de arte, con una fotografía excelente y un guión excepcional. Nominada a la Palma de Oro en el festival de Cannes de 1959:

Hiroshima mon amour (1959) “Hiroshima mi amor”

El director Alain Resnais es uno de los monstruos cinematográficos de Francia y con esta película se puso al frente de la llamada Nueva Ola (Nouvelle Vague) del cine francés junto con Jan-Luc Godard, Francois Truffaut y Claude Chabrol.

Película en blanco y negro, con un lenguaje estético muy particular, un manejo de cámara limpio, sobrio; Alain Resnais nos muestra una historia sobre la naturaleza del amor, sobre lo que es y debería ser el amor.

Sobre esa clase de amor que no tiene la posibilidad de llegar a ser, pero que, sin embargo, está presente la esperanza de mantener ese sentimiento siempre superior a nosotros, que nos desborda,  nos rebasa. Nos lastima.

Actuaciones sobresalientes de los protagonistas Emmanuelle Riva y Eiji Okada ambos proyectan una inmersión en sus personajes de verdad impresionante.

Para todos aquellos nuevos cinéfilos que se interesen por el cine de arte, el cine de autor, Hiroshima mi amor es una de las películas básicas y puntales de la cinematografía contemporánea.
 

Espero que a ustedes también les cause el mismo impacto visual y emocional que me provoca cada vez que tengo la oportunidad de verla.

Me encanta esta película, es una de mis clásicas favoritas.

Aunque la mejor opinión siempre será la de ustedes.

pf

recomendaciones cinematográficas

December 3rd, 2007

recomendaciones cinematográficas
 

El Rey pasmado,  (1991)

El Día de la bestia,  (1995)

Después de un periodo de descanso vuelve la lista de recomendaciones cinematográficas con dos propuestas muy interesantes y divertidas.

Imanol Uribe (El Salvador, San Salvador, 1950) nos entrega una película bastante peculiar, llena de absurdos, con constantes momentos de risa loca. El rey pasmado es uno de esos filmes de humor y sarcasmo, donde toda la historia gira en torno al deseo que tiene el rey de ver a la reina desnuda, pues aunque es su esposa y tiene relaciones sexuales con ella, las costumbres reales dictan que el rey y la reina no pueden verse desnudos para hacer el amor y de ahí Imanol Uribe se lanza para hacer una mordaz crítica a las costumbres atávicas de la  institución  monárquica española.  

Con excelentes actuaciones y un guión muy bien desarrollado El Rey Pasmado es una de esas cintas que nos hacen reír aunque no queramos. Recomendada para aquellos momentos en  que el stress de la vida diaria nos asfixia. Una película ligera pero con una calidad indiscutible, sin la mayor pretensión que hacernos pasar un rato agradable.

Por su parte Alex de la Iglesia (España, Bilbao, 1965) dirige una de las películas más divertidas que he visto en mi vida, El día de la Bestia. También cinta de humor negro, sarcasmos al por mayor y plagada de absurdos que nos harán reír sin empacho. Muy interesante la propuesta de Alex de la Iglesia, director joven, con una estilo bien definido. Tiene esa extraña lucidez de sacar el lado divertido de las situaciones más extremas y carentes de sentido. Un director que sin duda está destinado a seguir hacia adelante en su carrera cinematográfica.


 
Como dije anteriormente, estas dos películas están hechas para ponernos más que una sonrisa en los labios. En definitiva, nos reconcilian con el humor, con las ganas de divertirnos, con el sentimiento de no tomarnos las cosas demasiado en serio.  

Aunque la mejor opinión es la de ustedes.

Que las disfruten.

pf

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