La vida regida por el ridí­culo

Peter Biziou,   un fotógrafo creador.

Sí, ciertamente un fotógrafo creador que gusta de utilizar la neblina de la mañana como filtro para sus composiciones, fotógrafo creador de atmósferas etéreas,   pocas veces he visto retratar mejor la humedad , la lluvia, la oscuridad y la luz como a este gran cinematógrafo   (Gales, 1944).

Para mayores referencias podríamos poner de ejemplo nueve semanas y media ( nine 1/2 weeks, Adrian Lyne, 1986).
  

Artículo tomado de periódico La Jornada México D.F. martes 4 de septiembre de 2007

Reuters, AFP y DPA

Venecia, 3 de septiembre.

La película Cochochi, dirigida por los mexicanos Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas, encantó este lunes en el festival, donde fue aplaudida por su conmovedora autenticidad.

Elogiado por la crítica al término de la proyección a la prensa, el filme mexicano, primer largometraje de los dos jóvenes cineastas de 27 años, casados en la vida real y fotógrafos de formación, compite en la sección Horizontes, la más innovadora del célebre festival italiano.

La película, la única latinoamericana seleccionada para una sección oficial, y que no ha sido estrenada aún en México, fue filmada en su totalidad en la sierra Tarahumara, en el valle de Okochochi, al norte del país, y la mayoría de los diálogos se desarrollan en lengua indígena rarámuri.

‘Es un cine con integridad, hecho con el corazón, que es consecuente con lo que somos nosotros’, declaró el conocido actor mexicano Diego Luna, fundador de la casa de producción Canana, junto con su colega Gael García Bernal, uno de los productores de la película al lado de Pablo Cruz y Donaldo Ranvaud, de Buena Onda Américas.

Las imágenes de un México desconocido, despoblado, perdido entre las montañas y los altos picos, entre cascadas y valles de piedras inmensas, con amaneceres colmados de neblina y gente sencilla que trabaja la tierra, resultan sorprendentes para el público europeo, acostumbrado a las historias ambientadas en las grandes metrópolis del continente.

‘Esta historia tiene que ver con un proceso que se vive en México, con el deseo de huir de la ciudad grande y desagradable’, sostiene Guzmán, de origen dominicano, quien pasó junto con Cárdenas un año con la comunidad indígena antes de iniciar el rodaje, logrando así establecer una amistad con los chicos quienes participaron de alguna manera en el guión y en el desarrollo de la misma historia.

‘Cochochi cuenta con una realidad de México que no se ve. Son mundos ignorados y olvidados’, comentó por su parte Cruz, quien trabaja con el inglés Ranvaud, conocido ‘cazador de talentos’ y entre los fundadores de la Escuela de Cine de Cochabamba, en Bolivia.

Ambición implacable

¿Hasta dónde irías para hacerte rico rápidamente o reducir tus deudas?

Esa es la cuestión que Woody Allen plantea en su más reciente película, Cassandra’s Dream, protagonizada por Ewan McGregor y Colin Farrell, quienes dan vida a dos hermanos londinenses de clase obrera desesperados por tener una vida mejor.

‘Es simplemente una historia de jóvenes muy majos que se ven enredados, por su debilidad y por sus ambiciones, en una situación trágica’, dijo Allen a la prensa en el Festival de Cine de Venecia, donde se ha presentado su película.

El director estadunidense vuelve al tema de la ambición implacable y la ambigüedad moral que ya exploró en Match Point (2005), y dijo que Cassandra’s Dream refleja su concepción de la vida.

‘Tengo un punto de vista pesimista y descolorido de la vida y del futuro del hombre, de la condición humana, pero creo que existen algunos oasis extremadamente entretenidos en medio del fango’, añadió el director de 71 años.

La moda según Zhang-Ke

El ganador del festival el año pasado, el director chino Jia Zhang-Ke, está de regreso en el Lido con Useless (que se exhibe fuera de competencia), un documental que explora la creciente industria de la moda de China y los cambios sociales que refleja.

Es un tema conocido para Jia, quien el año pasado obtuvo el premio León de Oro a la mejor película con Still Life, un filme sobre las vidas de personas comunes afectadas por el gigantesco proyecto ‘Three Gorges Dam’, en China.

Wes Anderson no convenció

Tras muchas lágrimas, asesinatos, traiciones, duelos y crímenes de guerra, por fin la disparatada comedia The Darjeeling Limited, del estadunidense Wes Anderson, dio un respiro al público del festival de Venecia, que pudo reírse a gusto, pero por muchas carcajadas que despertara, el film, protagonizado por Adrien Brody, Owen Wilson y Jason Schwartzman, en la piel de tres hermanos estadunidenses en viaje espiritual por la India, no logró convencer a la crítica del certamen e inclusive se escuchó algún abucheo.

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas anunciará a las películas seleccionadas los próximos 25 y 26 de septiembre.

México, DF. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, cerró las inscripciones para participar en el proceso de elección de las películas que representarán a México en la XXII Edición de los Premios Anuales de la Academia de España y en los 80 § Premios Anuales de la Academia de Estados Unidos.

Los largometrajes participantes son: El cobrador, in god we trust de Paul Leduc, sólo para España, Eréndira Ikikunari de Juan Mora Catlett, La misma luna de Patricia Riggen, Malos hábitos de Simón Bross, Morirse en domingo de Daniel Gruener.

Así como Morirse está en hebreo de Alejandro Springall, Párpados azules de Ernesto Contreras, Stilles Licht (Luz silenciosa) de Carlos Reygadas y Y tú cuánto cuestas? de Olalla Rubio.

Blanca Guerra, Carlos Carrera, Diana Bracho, Felipe Cazals, Gina Moret, Juan Carlos Rulfo, Malayerba Producciones (Javier Patrón), Ernesto Gómez Cruz, Margarita Sanz, María Elena Velasco, María Rojo, son algunos de los actores y cineastas que son parte del Comité de Elección.

Además de Mayahuel del Monte, Ofelia Medina, Patricia Reyes Spíndola, Ignacio López Tarso, Isela Vega, Sigfrido Barjau, Iván Lipkies, Silvia Pinal, Jorge Fons, Vicente Leñero, José Luis García Agraz, por mencionar algunos.

Después del periodo de revisión de las películas inscritas, los miembros del Comité ejercerán su voto directo, en las instalaciones de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas el 25 y 26 de septiembre, fecha en la que se darán a conocer los resultados de la elección.

Notimex/ La Jornada México D.F. viernes 24 de agosto del año 2007

En esta oportunidad voy a proponer una película que se destaca por un abierto manejo del sexo sin caer en el terreno del porno crudo y procaz:

1. Lucía y el sexo (Julio Medem) 2001

Película provocadora que busca romper con esa estética ‘políticamente correcta’ del cine occidental donde el sexo se debe ‘mostrar’ de manera velada, secreta, con recato y hasta se podría decir con algo de vergüenza.

Pero Julio Medem, (España, 1958), hace una propuesta bastante interesante en su cinta donde el manejo de las imágenes, de las metáforas, es bastante bueno; es una cinta que quiere ser diferente, poética. Es, ciertamente, peculiar.

La historia algunas veces como que se nos enreda en un ir y venir de flashbacks pero creo que logra llevarla a buen término, aunque no con la ‘soltura’ necesaria, pero nos entrega un filme muy recomendable.

Para mi, con fuertes influencias de Bertolucci en su Último tango en París que es y seguirá siendo referencia obligada para este tipo de películas que quieren impactar con una fuerte dosis dramática y sexual.

Pero Julio Medem lo hace bien, su fotografía es sobria, el trato de los planos es correcto, no abusa del close up ni de los paneos vertiginosos que muchas veces llegan a marear al espectador, su manejo del desnudo femenino y masculino (todavía es bastante raro ver hoy en día desnudo masculino en el cine de Europa o América) es justificado y con buen gusto, sin caer en refinamientos ‘rosas’ ni en autocensuras.

Es una entrega que vale la pena, un buen intento por tratar de configurar una película honesta, bien hecha; donde Medem respeta su estilo cinematográfico plenamente

Julio Medem es el mismo director de La ardilla roja (1993) y de Los amantes del círculo polar (1998).

Ojalá que la disfruten

p.f.

En esta ocasión ‘La Vida Regida por el Ridí­culo’ está de luto por la muerte de dos de los cineastas más importantes en la historia del cine mundial, Ingmar Bergman (1918-2007) y Michelangelo Antonioni (1912-2007).

En calidad de insignificante homenaje a la carrera de estos dos monstruos de la cinematografía contemporánea voy a recomendar dos películas que para mí representan algunos de sus más interesantes y relevantes trabajos:

1. Fanny y Alexander (Ingmar Bergman) 1982

2. Zabriskie Point ( Michelangelo Antonioni) 1970

Ingmar Bergman fue uno de esos primeros directores que empecé a conocer a mediados de la década de los ochentas y que tenían una inclinación clara por una propuesta de cine de arte y que sin duda me han impactado más. Lo mismo de Antonioni, su cine es una muestra de innovación artística como muy pocos directores han podido mostrar.

Tanto Bergman como Antonioni han sido maestros de varias generaciones de cineastas, de actores y de críticos de cine. Por ejemplo, en la ‘vanguardia’ del cine mundial actual he podido ver marcadas influencias de estos dos directores.

En la corriente DOGMA 95** se aprecia con claridad el estilo dramático de Bergman, será porque el cine danés tiene esta influencia cultural de Suecia, pero sí, en la película tan aclamada del director Tomas Vinterberg Festen (1998) y del director Lars Von Trier por Breaking the Waves ‘rompiendo las olas’ (1996) es obvio el interes y manejo por los temas ‘interiores’ de una persona, de una familia, una relación de pareja.

Fanny y Alexander es una película lenta, hasta podría decir aletargada por momentos, difícil; el cine ‘intimista’ de Bergman a veces no es fácil de seguir, pero, dentro de sus trabajos apreciamos un excelente cuidado en el diseño de producción, en las locaciones, la fotografía, siempre exacta, mesurada pero siempre con ‘buen ojo’ un buen manejo de los planos, de las secuencias.

Antonioni es un cineasta plagado de metáforas y que con su excelente manejo de cámara nos enseña que cualquier historia, hasta la más simple, puede ser tema para una película, Zabriskie Point es un buen ejemplo.

Por supuesto no será la única aparición de estos directores dentro de la lista de recomendaciones cinematográficas. Hay más que recomendaremos en futuras entregas

Ojalá las disfruten

p.f.

**Dogma 95 (Dogme 95). Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda.

Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales.

Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.

tomado de wikipedia enciclopedia libre.

Regresando a la tónica de películas perturbadoras y de directores atormentados en esta oportunidad me atreveré a recomendar:

Le Locataire, ‘The Tenant’, ‘El inquilino’ (Roman Polanski) 1976

Para mi uno de los filmes más brillantes de este gran director. Qué inquietante y tensa, qué dramática y tortuosa.

Aquí Polanski vuelve a mover los hilos de una manera magistral, la historia te atrapa desde el primer momento y no te suelta , te va llevando a un desenlace que poco a poco se nos empieza a develar y que todos ya esperábamos, podría afirmar que es una cinta predecible de alguna forma, aunque el final es de verdad sorprendente.

Es una película ‘redonda’, casi perfecta.

Una de las joyas de la cinematografía mundial.

Espero que la disfruten.

p.f.

El violín (Francisco Vargas) 2005

Tengo que empezar diciendo que pocas películas mexicanas tienen este impacto visual como El violín.

Filmada en blanco y negro es una cinta de arte excepcional, repito, como muy pocas en el cine mexicano.

La temática es fuerte, sobre ese México que no queremos conocer, que no queremos voltear para mirar, pero que está presente siempre.

Que dirección tan acertada de Francisco Vargas (su opera prima) sacando lo mejor de todos sus intérpretes que en su mayoría no son actores profesionales.

Mención muy aparte merece el protagonista, el señor Ángel Tavira (Don Plutarco) que es en realidad campesino y violinista lírico al cuál le falta una mano. A Don Ángel no le cuesta trabajo porque actúa haciendo el papel de él mismo, se le ve muy natural en cuadro, como si hubiera hecho cine toda su vida.

Qué película tan bella, tan dramática, tan conmovedora.

Estoy seguro que Francisco Vargas esta llamado a seguir haciendo un cine comprometido con la calidad artística.

Que así sea

Ojalá la disfruten tanto como yo

p.f.

Inland Empire ‘Imperio’ (David Lynch) 2006

Para mí, David Lynch (1946, Estados Unidos) es un monstruo cinematográfico que respeto y admiro.

En esta lista de recomendaciones ya he propuesto dos de sus películas: Blue Velvet y Wild at heart. Ambas estupendas.

Pero, la verdad es que me he quedado sin habla con esta su más reciente entrega que aquí en México fue rebautizada como Imperio

de nueva cuenta Lynch volvió a ‘burlarse’ de nosotros, de nueva cuenta nos dio más de lo que esperábamos y menos de lo que esperábamos.

De verdad que, para mi, es uno de los directores más peculiares y sobresalientes sobre todo, por el hecho de tener un estilo muy bien definido; aunque sus películas sean difíciles de digerir, de comprender, si es que se pueden llegar a ‘comprender’ en un sentido ‘cabal’.

Inland Empire es una película de metáforas, al menos eso me pareció a mi, porque si no, entonces no sé qué pueda ser.

¿Es surrealista? podría ser la pregunta más pertinente.

Aunque la respuesta pueda ser sí, o no, o ambas, o ninguna de las anteriores.

Sí, así es esta cinta de Lynch:

confusa, trepidante, absurda, ridícula, atemorizante, introspectiva, profunda, superficial…

Sería como tratar de describir paso a paso el sueño que tuvimos apenas la noche anterior…

Así es, no puedo describirla mejor Inland Empire tiene la lógica propia de los sueños, o de los delirios. Puede ser, para algunos, una película pretenciosa e idiota y a la vez, para otros, una obra de arte.

Que más puedo decir de una película de la cual no sé ni muy bien qué decir, ni cómo decirlo

Es un reto mental, eso sí, pero no sé si sea agradable este tipo de ‘retos’.

Una vez más David Lynch nos enseña por qué es un director de contrastes (que odias o amas) por qué es un director con una carrera sólida e independiente aunque sus películas no sean ni mucho menos éxitos de taquilla.

Con esta película podría decir que cierra un ciclo que comienza con el programa de televisión producido por Lynch/Frost Twin Peaks (1990-1991), después las películas Twin peaks: fire walk with me (1992), Lost Highway (1997), Mulholland Drive (2001 )y ahora Inland Empire (2006).

Lo que más le admiro es su fuerza y su contundencia para llevar a cabo sus sueños más bizarros, sus obsesiones más perversas.

Que la disfruten

p.f.

Old Boy (Chan Wook Park) 2003

Estoy gratamente impresionado por este director Coreano Chan Wook Park. (Corea, 1963)

Old Boy es una cinta que llegó tarde a mis manos, bueno, creo que hay películas, al igual que libros, que le llegan a uno en el momento preciso, ni antes, ni después. Pero con Chan Wook Park tengo la impresión de que me hubiera gustado acceder a su cine antes; no sé antes de qué, pero antes.

El guión es excelente, (una variante free más de El Conde de Montecristo) Una historia de desamor y venganza que realmente es llevada de una manera muy sutil, inteligente, con buen ritmo, sin maniqueísmos.

Las escenas de acción son, en mi muy humilde opinión, muy buenas, precisas, destacadas, se ve que a nuestro director le gustan las películas de artes marciales (especialmente podría decir que Bruce Lee es una de sus principales influencias, por ejemplo, Enter the Dragon ‘Operación Dragón’ 1973).

Old Boy es una película violenta, sin duda alguna, que puede llegar al extremo de la crueldad y el sadismo pero, ciertamente, es una película bella, las metáforas que maneja, los recursos fotográficos muy, muy buenos. La cámara bien dirigida, los efectos especiales. Es una película hecha con mucha atención.

Desde luego que esta no será la primera incursión de Chan Wook Park en la lista de recomendaciones cinematográficas, hay otros trabajos de él que mostraremos, por lo pronto demos paso a esta entrega que estoy seguro que no va a decepcionar.

De nuevo, dedicada a los nuevos cinéfilos, una película desbordada en imaginación

Que la disfruten.

p.f.

1. Pink Floyd The Wall (Alan Parker) 1982

2. Birdy (Alan Parker) 1984

Estás dos películas que hoy recomiendo son dos de mis favoritas, una por su manufactura, sus efectos visuales y la otra por su alta carga de dramatismo.

Alan Parker (Inglaterra, 1944) director que causó impacto a finales de los años setentas y a principios de los ochentas. Poseedor de una gran habilidad técnica y una propuesta estética muy particular.

Películas muy interesantes, alucinantes para decir lo menos…

De Pink Floyd The Wall puedo decir que la cinta logra una gran hechura gracias, más que nada, a la música y las excelentes letras y guión de Roger Waters además del ingenio y sensibilidad de Gerald Scarfe, responsable de las animaciones, que para mi son de las mejores que haya podido ver en una película, (Yellow Submarine (1968) Heavy Metal (1981) Akira (1988), y la Princesa Mononoke (1997) son otras películas de animación muy recomendables, excelentes).

Pero Pink Floyd the Wall fue una palícula de vanguardia para los años en los que fue hecha, sin duda todo un clásico del cine contemporáneo.

Birdy es un filme bello, perturbador. Narra la experiencia esquizofrénica de un muchacho que quiere ser pájaro y que, debido a las catastróficas situaciones que vive en la guerra de Vietnam queda completamente en un estado de catatonia del que sólo su mejor amigo podrá rescatarlo.

Espectaculares actuaciones de unos jóvenes Matthew Modine y Nicolas Cage, de las mejores de sus carreras.

Para todos aquellos nuevos cinéfilos que estén interesados en la animación, en las películas de un contenido dramático fuerte y de una gran impacto estético estas son dos entregas imprescindibles que no van a decepcionar.

Pero la mejor opinión es la de ustedes.

p.f.