La vida regida por el ridí­culo

Hacia una nueva estética del cine mexicano

Carlos Reygadas

Japón 2002

Batalla en el Cielo 2005

Empiezo con estas preguntas:

¿El cine tiene que ser entretenido?

¿Tiene como papel el sólo entretener?

¿Qué entendemos por entretenido? ¿entretener? ¿entretenimiento?

¿Lo mismo nos entretiene a todos?

¿Cuál es el nuevo paradigma en este nuevo renacer que perece vive el cine mexicano, pese a todos los problemas y dificultades que todos conocemos que padece?

Personalmente creo que el cine debe de ser fiel a la imaginación, a la inventiva, al intento de crear atmósferas e historias más o menos originales, (digo, no se trata de descubrir el hilo negro) pero de lo que si se trata es de identificar estas intenciones, estas muestras de honestidad que se pueden notar o que se pueden percibir en algunos directores del cine mundial y de México.

Uno de ellos, que sin duda es harina de otro costal, es Carlos Reygadas México, D.F. 1971.

En mi muy modesta opinión Reygadas representa este intento de romper con los estándares estéticos que han regido, mal que bien, al cine mexicano de los últimos 50 años.

Reygadas hace películas de corte ‘extraño’, pero lo destacable no es sólo la temática de las mismas sino cómo las hace, cómo las filma, de qué manera las planea, las va decodificando hasta mostrarnos una historia que sin ser muy común puede llegar a ser tan común y cotidiana en cualquier momento. Ahí está lo hermoso de su cine, en las paradojas; en los contrastes.

En sus dos largometrajes cuida muchísimo la fotografía, (para mí, es lo mejor) los encuadres, los planos, los paneos de la cámara nos pasean, nos llevan de manera cuidadosa y sutil hacia los territorios que Reygadas nos quiere mostar.

Pero qué sentido de la provocación más acertada, la manera como juega con los sentimientos de los espectadores, de los mismos actores. Cabe hacer mención que a Reygadas le gusta arriesgar y utiliza intérpretes no profesionales, aunque esto a veces ‘acartona’ las actuaciones pero esto se debe, siento yo, a la búsqueda de un estilo propio.

Por eso, este reconocimiento que últimamente le ha estado haciendo el festival de Cannes al invitarlo a la sección oficial ya en tres ocasiones distintas no es casual, y vaya que no es fácil entrar en la sección oficial porque un jurado ‘escoge’ de entre más o menos 700 películas diferentes las que cuentan con la ‘calidad’ para concursar y llevarse la Palma de Oro.

Y ahí está Reygadas, sin duda, después de Buñuel, el nuevo provocador del cine mexicano.

Esperaremos que su nueva entrega Luz Silenciosa (2007) sea, al menos, del nivel de las dos anteriores, aunque la mejor opinión será la de ustedes.

Que las disfruten

P.F.

La soledad de Ernesto Contreras

Párpados Azules, México, 2006.

En esta oportunidad voy a recomendar una película que ganó el premio de mejor película en la categoría de Largometraje Iberoamericano de Ficción y también el Mejor Guión en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara; es la opera prima de un joven director mexicano Ernesto Contreras (Veracruz, Veracruz, 1969).

Que película tan interesante, bien planteada, sin muchos adornos, sin lastres, con una trama simple, aunque no simplista.

Los aspectos técnicos estuvieron bien cuidados, la fotografía acertada, el diseño de producción muy bueno, el sound track excelente; pero lo que más destacaría de esta cinta es la actuación de los protagonistas: contundente, verosímil.

Que gusto me dio ver una película mexicana tan bien lograda, de la cual no sabía ni esperaba grandes cosas. De su director sólo tenía el antecedente de algunos cortometrajes; pero me dio gusto constatar que el cine mexicano tiene sustento, futuro; con gente que está haciendo trabajos interesantes, que viene empujando fuerte y que están comprometidos con la creación artística, uno de ellos es Ernesto Contreras.

Veremos que nos depara en el futuro este talentoso director. Parece que va caminando para adelante, ojalá continúe así.

Que la disfruten tanto como yo.

Por cierto, este primer largometraje de Ernesto Contreras competirá con otras seis películas por el principal premio del certamen paralelo al Festival de Cannes, que lanzó al estrellato en 2000 al también director mexicano Alejandro González-Iñárritu con «Amores Perros».

Se trata junto a la película de Carlos Reygadas «luz silenciosa», que fue seleccionada para la competición oficial del Festival de Cannes, de la participación más destacada del cine mexicano en el próximo certamen, que cumple su 70 aniversario

P.F.

Al maestro Robert Altman (1925-2006).

M.A.S.H. (Robert Altman) 1970

Vincent y Theo (Robert Altman) 1990

Godsford Park (Robert Altman) 2001

En esta ocasión voy a recomendar tres películas de uno de los grandes maestros de la cinematografía mundial, porque, aunque existen grandes directores, monstruos cinematográficos como los he catalogado en esta lista, no todos llagan a ser maestros, no todos llegan a ser considerados como paradigmas de la pantalla grande.

Robert Altman fue, antes que un gran director, un maestro, promotor de un estilo, de un lenguaje, de una forma de entender y de mostrar el cine.

Fue el primer director al cual se le reconoce un manejo de diálogos tal y como en la vida real, rompiendo con la manera común de sucesión de diálogos como suele suceder en el teatro, donde un actor habla y el otro espera para responder y así sucesivamente se van entramando las conversaciones.

En las películas de Robert Altman, los diálogos se atropellan, como se hace en la vida cotidiana, se traslapan, se superponen, se complementan, se anulan.

Esa fue una de las numerosas virtudes de Altman, darle vida a esta clase de detalles para empezar a dotar al cine de una nueva estética. Su manejo de cámara, de planos medios el manejo del close up, los paneos pausados, nos enseñan un cine bien pensado, bien planificado antes de empezar a filmar.

Gran catalizador para hacer que sus actores se expresaran, Altman siempre daba esa posibilidad de la improvisación, pero como un recurso que ayudaba a darle mayor credibilidad a las escenas y no como fórmula habitual.

Estas tres entregas tienen como finalidad dar una muestra de tres de sus películas en mi opinión más representativas, en tres distintas etapas de su carrera.

Disímbolas entre sí, pero unidas por una misma forma estética que los espectadores sabrán identificar.

No será, desde luego, la única ocasión en que el maestro Altman haga presencia en esta lista, ya que existe amplio material muy aconsejable, sobre todo para los nuevos cinéfilos que gusten de saber un poco del trabajo de uno de los más grandes directores de todos los tiempos.

Sin duda uno de mis favoritos.

Que las disfruten.

P.F.

The French Connection (William Friedkin) 1971

The Usual Suspects ‘Sospechosos Comunes’ (Bryan Singer) 1995

En esta ocasión voy a recomendar dos películas que se distinguen por la habilidad de sus directores para mantener la tensión. El suspenso y la acción son la clave en estas dos entregas.

The French Connection, o como se le tituló en México, ‘Contacto en Francia’ se ha convertido en una película imprescindible dentro del genero policiaco en la cinematografía contemporanea.

Su director, William Friedkin, nos enseña lo bien que hace actuar a sus interpretes; gracias a esta película obtuvo el reconocimiento mundial además de que en el año de 1971 ganó el premio Oscar al mejor director y a la mejor película. También obtuvo el premio al mejor guión adaptado y a la mejor edición. Gene Hackman también ganó el Oscar como mejor actor.

También obtuvo el Globo de Oro como mejor director y mejor película de Drama.

Destaco esta película por su excelente edición, la limpieza en el manejo de la cámara, de los planos.

Para mi, cuenta con la mejor secuencia de persecución en autos que haya visto en alguna película de acción, sin duda un clásico.

Sospechosos Comunes es una película que sin hacer mucho ruido se ha convertido en una de las favoritas de todos aquellos que son amantes del género Thriller, del film noir.

Gran película de Bryan Singer, con actuaciones excelentes de Kevin Spacey y de Chazz Palminteri. Un guión alucinante que te mantiene atento hasta el último segundo de la película. Sin exagerar.

Estoy seguro que estas entregas no van a decepcionar.

Que las disfruten.

P.F.

Un buen muchacho…

Martin Scorsese.

Claro que, como todo el mundo en estos últimos 3 días, voy a hablar de este gran realizador que finalmente la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood acaba de premiar con el Oscar al mejor Director, Martin Scorsese (Queens, Nueva York, 1942).

De una inteligencia notable para contar historias que tienen que ver con la realidad urbana, Scorsese ha construido una carrera indestructible, con un estilo y lenguaje característico, sin haber tenido nunca la necesidad de que la Academia de Hollywood le reconociera su trabajo premiándolo con el Oscar.

Recordemos, por ejemplo, que en el año de 1976 ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por la película Taxi Driver (1976) y en el año de 1985 ganó el premio al mejor director por su cinta After Hours en este mismo festival, uno de los de mayor importancia en el mundo.

En esta ocasión voy a recomendar dos películas que para mi son dos de sus mejores entregas

After Hours ‘después de horas’ (Martin Scorsese) 1985

GoodFellas ‘Buenos Muchachos’ (Martin Scorsese) 1990

Escojo estas dos cintas ya que son un claro ejemplo de cómo un director que tiene visión y talento puede explorar cualquier temática, como la comedia de absurdos y humor negro en After Hours y el drama exponiendo la violencia que se desarrolla dentro del seno de una familia de rango menor en la mafia Italiana de los Estados Unidos Goodfellas.

Que películas magnificas, divertidas, apasionantes, hipnóticas, que sentido de la narración tan exquisito y tan limpio, eso es lo que más podría destacar de sus trabajos, el sabio e imaginativo manejo de los ritmos; en especial en estas dos.

Su sentido para resolver sus historias dotando a la edición de toda la justa importancia que debe de tener toda película.

Su capacidad para que sus actores entiendan lo que quiere proyectar en el ojo de la cámara, dejando muchas veces que sus interpretes opinen, obtengan diferentes ángulos y opciones de cómo las escenas podrían resultar mejor, es sabido que Scorsese dialoga, bromea, permite la improvisación, confia en el libre albedrío de sus actores y eso se ve, se percibe de manera notable en sus proyectos.

No será, desde luego, la única partcicipación que Martin Scorsese tendrá en esta lista de recomendaciones cinematográficas, todavía queda mucho material por explorar, por revisar.

Que esto sirva de humilde homenaje para uno de los directores que más admiro, sin duda uno de los más afamados y respetados del cine mundial.

Que las disfruten.

P.F.

Sex, lies and videotape ‘sexo, mentiras y video’ (Steven Soderbergh) 1989

Magnolia (Paul Thomas Anderson) 1999

En esta oportunidad voy a recomendar dos películas con un contenido dramático intenso. Películas que se destacan por la calidad de sus actuaciones, con dos directores norteamericanos jóvenes que han sabido explotar con éxito las temáticas que nos ofrece la vida cotidiana.

Sexo mentiras y video le abrió las puertas del reconocimiento mundial a Steven Soderbergh, ya que con esta producción ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes a los 26 años de edad, hecho que de alguna manera lo marcaría de manera no muy favorable en años posteriores.

En mi opinión Soderbergh se contagió de la enfermedad de los directores exitosos que ‘llegan’ demasiado pronto, con demasiada prisa.

Ahora parece que quiere retomar el ritmo, quitarse el peso muerto de la fama de una película que lo ha perseguido como una maldición desde 1990.

Con Traffic parecía que resurgía de nueva cuenta su ingenio, desempeñando su trabajo que mejor le conocemos, hacer que sus actores saquen lo mejor de sí mismos, redondas las actuaciones de Michael Douglas y Majandra Delfino, aunque la de Venicio del Toro deja mucho que desear y en general la película la resuelve demasiado ‘fácil’.

Laxa, con constantes tropiezos en lugares comunes y explotando un maniqueísmo demasiado simplón, (México, la frontera, es sepia, seco, pobre, polvoso. Estados Unidos es color, es limpieza… bueno).

Ganó el oscar al mejor director por esta película.

Paul Thomas Anderson el niño terrible de Estudio City, California, que sus primeros contactos con el cine fueron gracias a un tío que era fanático de la pornografía, es, para mí, uno de los directores más talentosos de los últimos 10 años en los Estados Unidos, sabiendo utilizar las enseñanzas de algunos de los que parecen ser sus directores favoritos como Altman, Jarmusch, Gus Van Sant, Truffaut, Scorsese.

Magnolia es una película preciosa de principio a fin, aunque es una entrega larga, el ritmo nunca cae gracias a la tensión dramática que ejercen sus protagonistas a cada momento de la cinta.

La película es como la vida misma, pero mejor. Y vaya que es difícil llegar a ese realismo en una película que se trata de todo y de nada en particular, sino en general de los problemas y las obsesiones de todo ser humano.

La mejor actuación que podrán ver jamás de Tom Cruise, sin duda gracias a la dirección hábil y elocuente de Paul Thomas Anderson.

Dos películas que ojalá puedan encontrar interesantes, dos directores que sin duda serán recordados por ser parte de esa nueva generación de vouyeristas de la cotidianeidad.

Que las disfruten

P.F.

Cronos (Guillermo del Toro) 1993

El Laberinto del fauno (Guillermo del Toro) 2006

Esta semana vamos a recomendar a un director que se ha estado destacando por el desarrollo de un estilo que ya se está diferenciando en el cine mundial contemporáneo. Guillermo del Toro (Guadalajara, Jalisco. 1964).

Estas dos películas, su opera prima Cronos y su última película El laberinto del Fauno, nos podrán dar una buena referencia del progreso cinematográfico de este gran director. Poseedor de una estética y un lenguaje muy propio, Guillermo del Toro a dotado a todas sus películas de un diseño de producción y una fotografía envidiables.

Ha tenido que luchar para abrirse paso en el difícil mercado de Hollywood pero lo ha logrado convirtiéndose en un director que ahora puede filmar proyectos propios con resultados bastante loables que le auguran un futuro muy prometedor.

Quizás su único pecado sea el encasillarse demasiado en la temática de sus películas, encerrarse en sus propias obsesiones. Me gustaría ver a un Guillermo del toro más ‘suelto‘ dejando un poco de lado a sus fantasmas, sus vampiros y sus insectos, creo que esta ultima producción del Laberinto del Fauno podría marcar una pausa para reinventarse, para demostrar que le es posible manejar otras temáticas con la misma limpieza y fuerza que logró en sus producciones pasadas.

Pero en definitiva Guillermo del Toro es uno de mis directores favoritos, porque desde una ciudad como Guadalajara, México, logró construirse una carrera que desde el principio demostró que llegaría a ser sólida, importante, sus nominaciones en los Globos de Oro y ahora en los premios Oscar lo demuestran.

Espero que siga hacia adelante respetando sus instintos, como seguramente lo hará.

Que las disfruten

Rope ‘la cuerda’ (Alfred Hitchcock) 1948

Dial ‘M’ for murder ‘Con ‘M’ de muerte’ (Alfred Hitchcock) 1954

Para esta ocasión voy a recomendar dos películas de este director notable, de gran importancia en la historia del cine contemporáneo, monstruo de la cinematografía mundial, poseedor de un estilo y un lenguaje plenamente identificado: Alfred Hitchcock. (1899-1980)

Qué director tan magnífico y tan inteligente, que capacidad extraordinaria para hipnotizar con la estructura dramática de sus cintas.

Escojo estás dos películas como una muestra de sus trabajos más representativos, dejando de lado por el momento las películas consideradas sus obras maestras, Vértigo y Psicosis.

Creo importante proponer estas cintas que, sobre todo para los nuevos cinéfilos, les pueden ir dando una idea sobre el trabajo de Hitchcock.

Y es que de nada sirve recomendar siempre Psicosis (1960), Vértigo (1958), La ventana indiscreta (1954) o Pájaros (1954), que sí, son de sus trabajos más importantes, pero estas dos películas no tan afamadas son de una maestría y una genialidad que sé que no van a decepcionar.

Excelentes entregas, que las disfruten

P.F..

De Alejandro González Inárritu se van a decir muchas cosas en los próximos días, gracias a que su película Babel fue premiada con el Globo de Oro a la mejor película de Drama del año 2006.

Sin duda un premio merecido, ya que la filmación necesitó un gran trabajo y entrega, hacer 3 películas en 3 continentes distintos, con algunos actores que no eran profesionales, requirió de un gran esfuerzo.

Pero lo que nos muestra en su película de Babel es la extraordinaria capacidad de hacer actuar a sus actores, valga la redundancia. Esta es la principal virtud de Iñárritu, exprimir el sentimiento, buscar el ‘fondo’ en el desempeño de sus intérpretes; lo podemos comprobar en sus dos anteriores películas: Amores Perros y 21 gramos.

Tengo que decir que a mí, la que más me gusta es Amores Perros, (2000), qué película tan fascinante, tan distinta a lo que se venía haciendo en el cine mexicano hasta ese momento; superando por mucho a películas contemporáneas como podrían ser Sexo pudor y lágrimas de Alejandro Serrano que fue un éxito de taquilla pero que es una película muy laxa, muy light, lo mismo con Todo el poder, el segundo aire ó Amar te duele de Fernando Sariñana, todas intentos muy pobres.

Amores Perros demostró lo que un director comprometido con el arte puede lograr.

Es extraño que Alejandro González Iñárritu se haya formado en el medio radiofónico, entró al medio de la producción publicitaria dirigiendo promocionales y comerciales. Poco tiempo después hizo su primera película, un mediometraje para la televisión comercial que se llamó Detrás del dinero (1991).

Amores perros fue su primera incursión formal en el cine, con un resultado que ya todos conocemos y que le abrió las puertas para dirigir en Hollywood su segundo largo que fue 21 gramos (2003).

Pero, para ser justos, mucho del éxito de ‘El Negro’ Iñárritu se debe al equipo que lo apoya en la producción de sus películas: Guillermo Arriaga como su guionista y Rodrigo Prieto como su fotógrafo.

Todos juntos han logrado una gran conjunción, evidenciando la extraordinaria conjugación de su talento.

Esperemos sus próximas entregas. Alejandro González Iñarritu se está consolidando como uno de los mejores directores mexicanos de todos los tiempos. Estoy seguro que en el futuro nos dará grandes y agradables sorpresas.

P.F.

Crónica de familia (Diego López) 1986

El lugar sin límites (Arturo Ripstein) 1978

Crónica de Familia es una película que empezó esa reivindicación del cine mexicano a mediados de los años ochenta, una película verdaderamente experimental, independiente, cuando hacer cine no era difícil, sino de verdad, una misión imposible.

Gran película de Diego López, con un reparto bastante interesante con Ernesto Gómez Cruz y Fernando Balzaretti, Alfonso André (baterista de bandas mexicanas como Las Insólitas Imágenes de Aurora, de Caifanes, Jaguares, La Barranca, para mayores referencias) una Claudia Ramírez que de la incipiente carrera de modelo dio un salto mortal al cine y que le abriría las puertas a otras producciones como Sólo con tu Pareja (Alfonso Cuarón, 1991).

Película de culto, con excelentes actuaciones, una gran fotografía, el sonido directo un poco defectuoso, pero, en sí, sería el único pormenor de la entrega.

Una cinta muy recomendable, para todos aquellos cinéfilos que no hayan tenido la oportunidad de tener contacto con este largometraje que representa, plenamente, al cine independiente mexicano, porque ahora, el calificativo de ‘independiente’ es más un eslogan de marketing que una característica sobre la producción.

Igual podríamos decir de El lugar sin límites largometraje de Arturo Risptein, uno de los directores menos apreciados pero en mi opinión, más importantes del cine mexicano de los últimos 40 años.

Arturo Ripstein ha sido de esos directores que dentro de la industria ha tenido que picar piedra, fue asistente de producción de Luis Buñuel en la película El Ángel Exterminador, 1962; y si no hubiera sido por su recia terquedad no se hubieran abierto todas las puertas que actualmente existen para todos los nuevos directores mexicanos que están dentro de la escena nacional e internacional.

Actuaciones magnificas de Roberto Cobo ‘Calambres’ (el personaje de El Jaibo en la película de Los Olvidados, Luis Buñuel, 1950) una Lucha Villa excelente en su papel de dueña de prostíbulo, y con Gonzalo Vega que hacía sus primeras apariciones estelares en el cine nacional.

Sin duda El Lugar sin límites hizo y ha hecho escuela dentro del cine mexicano, una película que no podemos dejar de lado, una película sobrecogedora con un gran contenido artístico, con un lenguaje bien diferenciado.

Que las disfruten.

P.F.